Flamenco-Klatschen mit José del Calli

Über den Compás wurde viel geschrieben. Aber Theorie ist das eine – ihn in den Händen eines Meisters lebendig werden zu sehen, ist etwas völlig anderes. Die Kunst des Palmeo ist die älteste Sprache dieses Stammes, der Herzschlag, der alles verbindet. Diese Flamenco-Klatscher sind kein bloßer Applaus, sondern die rhythmische Seele des Flamenco.

Um über diese Kunst zu sprechen, trafen wir uns im Tablao 1911 mit José del Calli. Seine Rolle als ausgezeichneter Sänger rückten wir beiseite, um uns auf das zu konzentrieren, was er wie kaum ein anderer beherrscht: die Kunst, ein außergewöhnlicher Palmero zu sein.

José del Calli, Meister der Flamenco-Palmas im Tablao Flamenco 1911

Die Absicht hinter dem Klatschen

Die Theorie sagt, der Compás ist die Architektur des Flamenco. Aber Technik ohne Absicht ist ein Körper ohne Seele. Wir sprechen über die Absicht hinter jedem Schlag.

José, wenn du die ersten Palmas des Abends gibst, wonach suchst du als Erstes? Denkst du an das Metrum oder erzählst du mit deinem Klatschen schon eine Geschichte, bevor du überhaupt den Mund öffnest?

«Das Erste, wonach ich suche, ist wie in jeder Kunst: langsam anfangen, sich steigern, nicht gleich alles geben.»

Sein erstes Ziel ist nicht die Verzierung, sondern das Fundament. Er sucht nach dem, was man im Flamenco-Jargon als „Gewicht“ bezeichnet.

«Ich suche dieses Gewicht, wie wir Flamencos sagen, um den Takt zu setzen, damit wir alle verbunden sind.»

Seine Palmas zu Beginn wollen nicht im Vordergrund stehen, sondern das rhythmische Fundament sein. Ihre Aufgabe ist es, festen, gemeinsamen Boden zu schaffen. «Meine Palmas sollen in dem Moment wie ein Cajón sein, einfach nur als Basis dienen und das Gewicht auf dem ersten Schlag setzen, damit der Stil, den wir spielen, sich festigen kann.»

Die Klangpalette des Palmas: Die Arten des Klatschens

Die Kunst des Flamenco-Palmas ist vor allem eine Kunst der Nuancen. Es geht nicht nur darum, den Rhythmus zu markieren, sondern ihn mit verschiedenen Farben und Texturen zu malen. In dieser Klangpalette stechen zwei grundlegende Techniken hervor.

Auf der einen Seite stehen die gedämpften Klatscher (palmas sordas). Sie entstehen durch das Hohlformen der Hände, wodurch ein tiefer, sanfter, gedämpfter Klang entsteht – fast wie ein rhythmisches Flüstern. Es sind die Klatscher, die stützen, ohne sich aufzudrängen. Man hört sie im langsamen, tiefen Compás einer Soleá oder in den zartesten Momenten des Gesangs.

Am anderen Ende finden sich die klaren oder hellen Klatscher (palmas claras o sonoras). Dabei bleiben die Hände fest, was einen klaren, hohen Klang erzeugt – wie ein Peitschenhieb. Sie sind pure Energie. Sie treiben den festlichen Rhythmus von Bulerías oder Alegrías voran und setzen Akzente bei den intensivsten Höhepunkten des Tanzes.

Doch diese Klatscher sind viel mehr als ein Metronom. Sie sind ein Werkzeug der Kommunikation zwischen den Künstlern, ein musikalischer Dialog, der die Emotion verstärkt und die Improvisation leitet.

José, die Theorie gibt uns die Landkarte, aber du zeichnest die Route live. Wie entscheidest du, welchen Klang du verwendest? Ist es eine rein technische Entscheidung, die vom Palo abhängt, oder eher eine instinktive Reaktion auf die Energie, die dir die Tänzerin in genau diesem Moment überträgt?

„Es hängt vom Moment ab, von der Situation, vom Palo, von der Tänzerin, vom Sänger, der gerade singt – und in dem Moment muss ich begleiten, es hängt auch von der Gitarre ab…“

Seine Entscheidung ist keine einsame, sondern eine ständige Reaktion auf Reize. Er erwähnt, ob der Gitarrist gerade in einer Falseta ist, ob er eine offene oder gedämpfte Klatsche einsetzen soll – und stellt klar, dass es keine feste Regel gibt. „Es hängt von vielen Situationen ab“, fasst er zusammen.

Doch wahre Meisterschaft bedeutet mehr, als zwischen offen und gedämpft zu wählen. Sie besteht darin, sie zu mischen, mit Farben zu spielen, um unerwartete Texturen zu erzeugen.

„Man kann sogar mit verschiedenen Farben spielen, also von gedämpft zu offen wechseln. Selbst wenn die Tänzerin gerade einen Absatzschlag (tacón) macht und man eigentlich eine gedämpfte Klatsche einsetzen müsste, kann man – wenn man es beherrscht – gelegentlich eine offene hinzufügen, die den Klang leicht verändert, auch wenn die Basis in dem Moment gedämpft ist.“

Hier wird der Palmero zum Maler, der Lichtakzente auf eine dunkle Leinwand setzt – und zeigt, dass seine Kunst nicht darin besteht, Regeln zu folgen, sondern zu wissen, wann und wie man sie mit Absicht bricht.

Der Gegentakt: Der Nervenkitzel in den Palmas

Das Palmeo ist nicht nur folgen – es ist auch fordern. Der Gegentakt ist eine der fortschrittlichsten und aufregendsten Techniken, ein Sprung ins Leere, der absolutes Vertrauen erfordert.

Was musst du bei deinen Mitspielern spüren, um die Struktur zu brechen und mit diesen Pausen zu spielen? Was bringt dieser Nervenkitzel der Aufführung?

„Was ich bei meinen Mitspielern zuerst spüren muss, ist, dass sie ein solides Fundament haben und wir gut verankert sind, um Gegentakte machen zu können.“

„Es gab Zeiten, in denen ich keine gute Grundlage hatte und das Klatschen war nutzlos. Ich klatsche dann nur schwach, wie ich sage, und kann in diesem Moment den Tänzer oder Künstler auf der Bühne nicht unterstützen, weil es einfach nicht geht.“

Der Gegentakt ist also nicht nur eine rhythmische Verzierung, sondern das Zeichen eines perfekt funktionierenden Flamenco-Ensembles, ein Beweis für die Verbindung zwischen den Künstlern. Nur wenn José diese Sicherheit spürt, kann er sein ganzes Können entfalten.

„Ich brauche ein gutes, stabiles Fundament mit starkem Rhythmus. Dann kann ich alles geben, was ich habe und was ich bin.“

Das Jaleo: Das Wort als Palmeo

Das Repertoire eines Palmero deiner Größe beschränkt sich nicht nur auf die Hände. Das Jaleo – dieses „¡Olé!“, „¡Vamos allá!“, „¡Agua!“ – ist auch Perkussion, eine andere Form des vokalen Palmeo.

Ein Jaleo im falschen Moment kann die Inspiration zerstören, aber ein gut platzierter kann einen Künstler zum Ruhm führen. Was ist für dich das Geheimnis eines guten Jaleos? Ist wichtiger, was gesagt wird oder der exakte Moment, in dem es gerufen wird – wie ein weiterer Klatscher?

„Für mich ist das Jaleo ein Zustand der Euphorie, der entsteht, wenn ein Tänzer, Sänger, Gitarrist, Perkussionist oder ein Künstler auf der Bühne etwas in dir auslöst. Es ist wie ein Kompliment, das du ihm zurufst.“

„Es ist nicht das Wort an sich. ‘Olé’ heißt nicht, dass es ein schönes Wort ist. Ich mache es oft mit einem Laut – ‘¡ah!’ oder ‘¡agua!’ – oder was auch immer. Es bedeutet nicht ‘olé’, weil es ein schönes Wort ist.“

Das Jaleo ist ein instinktiver Impuls, ein Klang, der ungefiltert aus dir herausbricht. Es zeigt, dass die Kunst des anderen etwas Tiefes in dir berührt hat. Wie er selbst sagt: „etwas, das dich bewegt, etwas, das dich aus deinem Innersten ruft, ich weiß nicht genau was, aber es inspiriert dich, dich so zu bewegen, dieses Gefühl zu spüren.“

Es ist keine Entscheidung, es ist eine Folge.

Der „Sitzende Tänzer“: Die Verschmelzung von Palmas und Fußarbeit

Dies führt uns zu einem der höchsten Komplimente im Flamenco. Man sagt über dich, du seist ein „bailaor sentao“. Und wir wissen, das liegt nicht nur an deiner Meisterschaft im Klatschen, sondern auch daran, dass du vom Stuhl aus mit den Füßen klopfst.

José, diese Fähigkeit, gleichzeitig zu singen, Palmas zu schlagen und mit den Füßen zu arbeiten – ist das eine bewusste Übung oder eine Weisheit, die sich dein Körper durch tausende Nächte im Tablao angeeignet hat?

„Ich würde nicht sagen, dass das etwas ist, das man trainiert. Obwohl – es ist relativ, vielleicht ist es doch Training, denn ich bin in einem Haus voller Flamencos aufgewachsen. Meine Eltern, alle Künstler, meine Onkel auch… Ich bin dort groß geworden und bin mit Live-Gesang eingeschlafen.“

Diese Fähigkeit wurde nicht in einem Klassenzimmer geboren, sondern in einem flamencobeseelten Zuhause, einem familiären Tablao. Es war keine Entscheidung, sondern eine natürliche Entwicklung. Das Klopfen vom Stuhl aus ist also keine angehängte Technik, sondern eine Erweiterung seiner Leidenschaft fürs Tanzen.

„Ich tanze auch wirklich gerne. Und weil ich das Tanzen und das Spiel mit den Rhythmen liebe, habe ich es wohl auf die harte Tour gelernt, oder?“

Die körperliche Trennung ist keine mentale Übung, sondern das Ergebnis eines Lebens im Rhythmus. Es ist nichts, was er isoliert geübt hat. „Ich habe nie zu Hause trainiert und gesagt: ‚Okay, dieser Schlag, dann der hier, dann Fuß‘ – nein. Es kommt einfach. Ich kann es nicht erklären, es ist wohl angeboren.“

Diese Weisheit, wie er sagt, kommt „mit Kraft“, sie entspringt etwas Innerem, einem Körper, der gelernt hat, den Rhythmus auf jede erdenkliche Weise zu fühlen und auszudrücken – sogar vom Stuhl aus.

Der Dialog mit der Gitarre

Palmas existieren nicht im luftleeren Raum – sie sind ein ständiger Dialog. Die Gitarre bietet Falsetas, Momente der Ruhe oder Virtuosität, die der Palmero zu begleiten weiß.

Wie sieht dieser Dialog mit dem Gitarristen aus? Wenn er mit einer Falseta beginnt, gibst du ihm Raum, indem du dich zurücknimmst, oder begleitest du ihn, indem du eine rhythmische Basis schaffst, auf der er sicher fliegen kann?

„Wenn der Gitarrist mit der Falseta beginnt, muss man ihm eine gute Basis geben und ihn mit einem guten soniquete, wie wir sagen, begleiten.“

Das Ziel ist, ein rhythmisches Kissen zu schaffen, ein stabiles Fundament, auf dem der Gitarrist seine Melodie frei entfalten kann. Doch diese Begleitung ist nicht passiv. Der Palmero bleibt wachsam, bereit, im richtigen Moment mit mehr Kraft einzusteigen und den Höhepunkt zu begleiten.

„Du kannst am Ende der Falseta angreifen. Und wenn du spürst, dass das Ende kommt, greifst du auf die beste Art und Weise an, spielst mit und setzt Gegenrhythmen – und er spielt mit dir.“

Es ist ein Spiel der Komplizenschaft. Der Palmero unterstützt, und genau am Schluss, im Moment des Ausbruchs, schließen er und der Gitarrist das musikalische Bild gemeinsam ab. „Und genau da entsteht auch das ‚Olé‘.“

Die Weisheit des Palmeros: Wird sie gelehrt oder erlernt?

Dieses Maß an Wissen in der Kunst des palmeo wirkt wie eine Geheimsprache, eine Erfahrung, die vom Meister im vertrauten Rahmen des Tablaos weitergegeben wird.

Dieses tiefe Wissen, das du als palmero besitzt – kann man es in einer Klasse mit Tafel lehren oder ist es eher ein Wissen, das nur Nacht für Nacht weitergegeben wird, indem man dieselbe Luft atmet wie die anderen Künstler auf der Bühne?

„Nun, lehren – klar, man kann die Technik lehren, denke ich. Die Technik, ja, auch die Doppelschläge, die Gegenschläge, das geht natürlich.“

Doch die wahre Herausforderung, das, was ich am schwersten in einem Klassenraum zu vermitteln finde, ist das eigentliche Herzstück des Flamenco-Rhythmus.

„Was sehr schwer zu vermitteln ist, ist der compás. Der compás ist, wie ich denke, etwas Angeborenes. Man kann ihn mit der Zeit üben und verbessern, aber er bleibt ein erlernter compás.“

Hier liegt der entscheidende Unterschied: ein „erlernter“ compás gegenüber einem „angeborenen“. Es ist nicht dasselbe, ihn auszuführen, wie ihn im Innersten zu tragen. „Es ist nicht dasselbe, als wenn man ihn in sich trägt“, erklärt José. Er erkennt an, dass diese angeborene Gabe gut oder schlecht sein kann, aber sie ist der Ausgangspunkt, der alles bestimmt.

Wer sie von Natur aus hat, „entwickelt sich mit jedem Schritt weiter, sein compás wird feiner und hebt sich auf ein ganz anderes Niveau“. Wer jedoch von einer schwächeren Basis startet, stößt an eine Grenze. „Wenn dein compás zu schwach ist, bleibst du immer auf einem niedrigeren Level. Es geht irgendwie, aber eben nicht wirklich.“

Letztlich lässt sich Technik lehren, aber der compás, dieser tiefe Pulsschlag, wird gelebt und gespürt.

Die Notwendigkeit der Stille

Damit ein so subtiler und nuancenreicher palmeo wahrgenommen wird, braucht es ein geeignetes Umfeld – selbst bei Palos wie den Tangos oder Fandangos.

Damit all diese Sprache aus palmas, Fußstampfen und Blicken funktioniert – wie wichtig ist ein Raum wie dieser, ein intimes Tablao, in dem man sogar den Atem des Mitspielers hören kann und in dem das Publikum nicht nur schaut, sondern auch wirklich zuhört?

„Was aus dem Musiker, aus dem Künstler kommt, ist in jedem Moment einzigartig.“

Das ist diese Magie, die sich nicht planen lässt. José stellt sie dem starren Charakter großer Produktionen gegenüber, wo Spontaneität geopfert wird.

„Es gibt Tage, da passieren Dinge, die du nicht mal im Teatro Real hinbekommst, auch wenn du drei Monate lang mit denselben Leuten geprobt hast.“

Das Tablao ist ein Nährboden für das Unvorhersehbare. Es ist ein Ort, der den Duende beschwört. „Im Tablao geschehen Dinge, die magisch sind, weil sie nicht wiederholbar sind.“ Diese Magie, so sagt er, potenziert sich, wenn die Umgebung und die Mitwirkenden auf dem richtigen Niveau sind.

„Und die Wahrheit ist, wenn du in einem Tablao wie dem 1911 auftrittst, mit erstklassigen Künstlern, dann ist es viel wahrscheinlicher, dass solche unwiederholbaren Dinge passieren. Sie kommen einfach, wie von selbst.“

Das Tablao ist also nicht nur eine Bühne, sondern ein aktiver Bestandteil, ein Katalysator, der, in Kombination mit hochkarätigen Künstlern, das Außergewöhnliche zur Norm macht.

Nach einem solchen Gespräch hört man die palmas nie wieder auf dieselbe Weise. Man erkennt, dass das palmeo nicht nur Rhythmus ist, sondern Erzählung – es ist nicht einfach ein Klatschen, es ist ein Dialog. Und manchmal liegt die größte Weisheit im Tanzen darin, still zu bleiben.

Komm und höre den Dialog. Reserviere dir deinen Abend im Herzen des Flamenco.